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L’odore della notte, Claudio Caligari

13 Dicembre, 2019

L'odore della notte (1998)

L’odore della notte
Remo Guerra – Valerio Mastandrea
Maurizio Leggeri – Marco Giallini
Marco il Rozzo Lorusso – Emanuel Bevilacqua
Roberto – Giorgio Tirabassi

L’odore della notte si svolge durante la fine degli anni ’70 e l’inizio degli ’80.
Remo è un poliziotto – di giorno – e di notte si dedica con convinzione alle rapine.
Le vittime sono solo esponenti della ricca borghesia di Roma, vengono minacciate e picchiate, mai uccise.
I compagni di “lavoro” sono Maurizio e Roberto, che presto lascerà il gruppo.
Al suo posto entra Marco detto “Il Rozzo”.
Ognuno dei tre banditi ha la sua ragione di rapinare, oltre che per il denaro denominatore comune.
Maurizio entra e esce dal gruppo, gli piace la bella vita dopo aver messo da parte il suo gruzzolo.
Il Rozzo è un criminale nato, la vita da bandito lo rappresenta in tutto e per tutto.
Remo è l’unica anima che tenta di agire per la nobiltà dei suoi gesti, una giustizia a suo modo, uno spirito proletario.
Tra centinaia di rapine, Remo è costretto a volte a cambiare compagni ma nessuno di loro ha il carattere necessario lo scopo, nessuno a sostituire Maurizio e Il Rozzo.
Tentando di svoltare la propria vita, Remo apre un bar di borgata che lascia in gestione all’amico Roberto.
Ma la caccia ai ricchi non finirà, il livello di pericolo è sempre più elevato, i “veri” ricchi stanno pian piano eclissandosi, dando sfogo alle classi politiche e i risvolti di partito.

Con L’odore della notte, Claudio Caligari firma sceneggiature e regia del suo secondo film in quindici anni, dopo Amore tossico.
Film notturno, a tratti piovoso, dove anche le mattine sono pallide e grigie, Caligari non entra in contatto con i suoi protagonisti, dirige in modo fluido al fine di rendere l’azione come co-protagonista.
Perché il protagonista vero è il gruppo di attori, o meglio, la direzione perfetta degli attori – che avrà il massimo della sua espressione in Non essere cattivo del 2015, ultimo film – postumo – del regista che chiude una ipotetica trilogia.
In l’odore della notte si sente meno la presenza sconcertante della borgata romana rispetto alle altre opere.
Tuttavia l’atmosfera è palpabile e ben suggerita, arricchita dai bar notturni e le sedie apparecchiate fuori sul ciglio della strada, dai chioschi sotto la pioggia.
E le chiavi del film sono date in mano alle gesta dei banditi – e alla voce narrante dello stesso Remo, un Valerio Mastandrea dai tratti malinconici – alla ottima soluzione di montaggio di Caligari e alle sue visioni quasi surreali dove la società italiana si è spinta – la scena con Little Tony, che interpreta sé stesso, è tragicomica, costretto a cantare la canzone Cuore Matto in piena rapina in casa da Maurizio – un grande Marco Giallini – che lo intima anche a un “arrangiamento musicale improvvisato”: oltre a cantare, Little Tony deve intonare anche la parte di basso, per dare ritmo alla canzone, e alla serata…-

Accennando a qualche split screen e stop improvvisi delle scene e la voce narrante che chiude la sequenza, L’odore della notte di Caligari è anche un film poliziesco, che sfiora il noir, che s’avvicina al thriller.
L’odore della notte, un poliziesco di fine anni ’90, un po’ figlio delle pellicole di genere anni ’70 italiane.
Agghiacciante la descrizione della classe politica nascente degli anni ’80 che avviene con la scena della rapina in casa di un senatore della Repubblica il quale, spaventato dalle richieste della banda, dichiara di non sapere di avere i soldi del partito proprio in casa sua.

Articolo di "Esposizione 2" - Claudio Caligari

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“La jena” di Robert Wise (1945)

6 Dicembre, 2019

"La jena", The body snatcher (1945)

Robert Wise

La jena – conosciuto anche con il titolo di La jena, l’uomo di mezzanotte – è basato sul racconto Il trafugatore di salme di Robert Louis Stevenson e agli omicidi avvenuti in Scozia tra il 1827 e il 1828 ad opera dei cosiddetti “assassini di West Port“.

La jena è ambientato a Edimburgo, 1981.
Il dottor MacFarlane è un chirurgo e insegnante di medicina.
Rinomato medico in tutta l’Europa, gli viene chiesto di operare Georgina, una ragazzina che non riesce a camminare.
MacFarlane tenta una diagnosi per la malattia ma è costretto a rinunciare a operare la ragazzina a causa dei suoi impegni come docente di medicina.
Intanto, Donald Fettes, un giovane ragazzo orami alla fine degli studi medici, diventa l’assistente del dottor MacFarlane.
Sarà proprio Fettes a cominciare a dubitare delle azioni del suo superiore, soprattutto dopo aver fatto conoscenza con Grey, un vetturino misterioso che aiuta MacFarlane – suo vecchio amico – procurando cadaveri da sezionare, per lo sviluppo della medicina.
Ma i cadaveri, che sono dati dal consiglio comunale della città, non bastano e lentamente viene a galla l’orribile verità di Grey che non dissotterra più le salme dal cimitero.
In accordo con MacFarlane, Grey uccide persone innocenti ricambiato con denaro dal suo amico dottore, in un accordo orribile e silenzioso.
Dopo aver deciso, finalmente, di operare Georgina, per MacFarlane la vita diventa difficile, minacciato da Grey che promette di rivelare il loro segreto.
Altri atti orribili vengono compiuti dal vetturino fino alll’uccisione di Joseph, il domestico di MacFarlane.
Le cose si sono spinte troppo oltre, così il dottore decide di eliminarlo, illudendosi di poter così migliorare come uomo e come professionista della medicina.
Ma il tragico finale rivelerà come la coscienza di MacFarlane sia già troppo compromessa.

Robert Wise gira un film a tinte horror, conducendo a recitare insieme Boris Karloff – nei panni di Grey – e Bela Lugosi – il domestico di casa MacFarlane – per l’ultima volta.
Utilizzando un bianco e nero cupo, un gioco di luci notevole, personaggi che si muovono riprendendone solo l’ombra riflessa sul muro, Wise inserisce in la jena anche una riflessione sulla scienza, medicina e i suoi sacerdoti.
In La jena il vero “orrore” è nell’uccidere, “interrompere” la vita di persone innocenti per cercare di garantirla ad altri tramite la scienza.
La scienza al servizio di un potere che uccide, immorale.
Grey e MacFarlane sono complici di una scienza che vuole innalzarsi al potere, la medicina che si macchia di morte e perde i suoi artifici per innalzare, invece, la vita.
“MacFarlane è sulla via della scienza, non della guarigione” spiega l’assistente Fettes alla madre di Georgina.
Questo orgoglio impazzito porterà i due complici allo scontro definitivo.
Il dottore sentirà delle voci provenire dal suo inconscio chiamarlo: è l’incubo di Grey che ritorna – la scena vede una corsa in carrozza di Fettes e MacFarlane, dopo aver dissotterrato un cadavere di una donna. Uscendo di strada, sotto una pioggia insistente, appare bianchissimo la salma di Grey ma non è altro che l’immaginazione malferma di MacFarlane.

La Jena è un grande film.
Grande prova di regia di Robert Wise e grandissima prova degli attori, compreso un anziano Bela Lugosi, curvo e taciturno.
Bellissima l’atmosfera creata dal regista, in una Edimburgo cupa, piovosa, abitata da ombre che si attaccano furtive ai muri delle vie strette.
Arricchita di mistero con i toni grigi marcati, La jena porta con sé l’atmosfera misteriosa di Edimburgo dell’Ottocento romantica.
Le parole di Ippocrate “La strada della conoscenza nasce dalle tenebre e sfocia nella luce” concludono il film, riassumendo quasi alla perfezione le immagini del grande Robert Wise.

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Articolo di "Esposizione 1" - Robert Wise

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Lassù qualcuno mi ama, di Robert Wise (1956)

1 Dicembre, 2019

" Lassù qualcuno mi ama " (1956)

Robert Wise

Robert Wise firma un’altra pellicola sul pugilato.
Lassù qualcuno mi ama è la storia di Rocky Graziano, tratta dalla autobiografia del pugile stesso, attivo negli anni ’40.

Thomas Rocco Barbella è un ragazzo senza un dollaro in tasca, vive di furti, fughe dai poliziotti e altre bravate.
Figlio di un ex pugile alcolizzato, si fa chiamare Rocky dagli amici quando entra ed esce da riformatori e penitenziari.
Il suo carattere sfacciato e ribelle lo porta fino al carcere e all’isolamento, dove incontrerà Frankie Peppo, anche lui detenuto ed ex procuratore di pugili.
Rocky sconta la pena ed esce dal carcere, recandosi nella palestra Stillman di New York, per guadagnare qualche soldo e incontrare Frankie, che è ancora in prigione.
Qui viene avvicinato da Cohen che gli propone qualche dollaro, battendosi nel ring.
Da questo momento, la vita di Rocky cambia, le doti di pugile picchiatore sono indiscusse, comincia ad allenarsi.
Si farà chiamare Rocky Graziano, la vita pugilistica sembra aver presa sul suo carattere, lo rende migliore e lo avvicina alla sua futura moglie Norma.
Dopo una dura sconfitta con il campione dei pesi medi, Graziano non si scoraggia e si prepara nuovamente per la rivincita.
Intanto Frankie Peppo torna a presentarsi alla porta di Rocky, proponendogli di truccare un incontro, durante il quale dovrà arrendersi per KO.
Fingendo un infortunio alla spalla e rischiando la squalifica a vita dal mondo del pugila, Rocky riesce quindi a non accettare l’imbroglio, pronto di nuovo alla sfida con Tony Zale, per il titolo mondiale.

Lassù qualcuno mi ama è un’opera completa e affascinante, raccontata e montata con un ritmo perfetto e completata da una grandissima interpretazione di Paul Newman.
La boxe è una crescita che parte dalla mera ricerca di qualche spicciolo per mangiare alla completa consapevolezza del proprio coraggio e lealtà.
Tramite i montanti subiti e quelli sferrati, Rocky si riavvicina al padre devastato dall’alcol e dal fallimento e conosce l’amore per Norma, la quale ha un rapporto di terrore con la boxe e il sangue – indimenticabile la scena in cui Rocky invita in palestra Norma, giurandole che non vedrà nemmeno una goccia di sangue: da qui comincia una specie di balletto tra lui e il suo compagno di allenamento, che si sfiorano con i pugni come a ritmo di un balletto classico –
Tema che ritorna anche in Lassù qualcuno mi ama , la lealtà è un tratto che non può mancare sia nell’uomo sia nell’uomo sportivo. Il boxeur di Robert Wise è in lotta più con sè stesso che con il mondo, alla ricerca di un senso, semplice o speciale, da dare alla propria vita.

Articolo di "Esposizione 1" - Robert Wise

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Stasera ho vinto anch’io (The Set-Up), di Robert Wise (1949)

1 Dicembre, 2019

Stasera ho vinto anch’io (The Set-Up), 1949

Robert Wise

“Stasera ho vinto anch’io” è la storia di Stoker Thompson, un pugile veterano, sposato con Julia che non smette di convincere il marito a ritirarsi.
La pressione psicologia e fisica della boxe viene invece ancora tollerata da Stoker che avrà un incontro con un giovane esuberante e di ottime prestazioni atletiche.
Il match è truccato, lo stesso manager di Stoker si accorda con altri loschi personaggi perché il pugile cada, sconfitto per KO, al terzo round.
L’incontro ha inizio, è un duro incontro che vede trafitto Stoker sia nel carattere sia nel corpo, imbrogliato e poi massacrato di pugni.
Il vecchio Thompson non molla e si deciderà tutto alla fine del quarto round.

Robert Wise dirige un opera stupenda, “Stasera ho vinto anch’io” è un film notturno, noir.
Lo fa conducendo perfettamente un racconto in tempo reale, in una serata dalle 21.05 alle 22.17 e praticamente sempre nello stesso luogo – o lo spogliatoio o l’arena con il ring.
Il montaggio ottimo descrive una serata di pugilato seguendo due “fasi”, alternando quindi scene di azione pugilistica a primi piani di volti che descrivono cosa sta avvenendo sul ring.
Inoltre, la sola presenza del grande Robert Ryan, con la sua vena malinconica, regge quasi totalmente un film, che è bellissimo.
Lo sport della boxe, “la nobile arte” si riconosce in Stoker Thompson, un uomo discreto e di animo nobile che rispetta l’avversario, ne condivide lo spogliatoio fino a pochi attimi prima dell’incontro, dà consigli ai giovani, dona coraggio e saggezza.
Non avendo rispettato le parole dei suoi aguzzini, si trova costretto a combattere con coraggio e per sopravvivenza anche fuori dal quadrato, dove subisce la frattura della mano che lo obbligherà a lasciare la carriera sportiva, offrendogli così una speranza di vita semplice e sincera con la moglie Julia.

“Stasera ho vinto anch’io” riflette su come lo sport sia macchiato dalle scommesse truccate, come la “nobile arte” possa trasformarsi in povere gesta di sola, rozza violenza.
Allo stesso tempo, come si possa reagire con umiltà e coraggio ai tradimenti della vita.
Come possa esistere una contro-risposta alla speculazione, cioè un uomo che combatte – nei suoi gesti e sguardi di un sibillino romanticismo – per il suo valore sportivo e per le sue idee che lo mantengono in piedi in un mondo non privo di violenza.
Il titolo originale del film “Stasera ho vinto anch’io”, Set Up, è interessante, descrive appositamente un’ambiguità, nella sua traduzione con allestire – esempio, un incontro sportivo – ma anche con stabilire, disporre prima, incastrare – esempio, gli accordi dei nemici di Stoker, che lo vogliono al tappeto in un preciso momento.

Articolo di "Esposizione 1 - Robert Wise"

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“Poetry” di Lee Chang-dong

16 Novembre, 2019

"Poetry" (2010)

Lee Chang-dong

La poesia è un percorso che se intrapreso pone leggerezza nell’animo di chi scrive.
A occhi aperti verso il mondo delle cose che appare degno di bellezza, tramite la poesia.
La poesia ha anche una sfera in cui si rappresenta non solo nell’interiorità del poeta bensì anche nell’esteriorità.
In Poetry, “Il corpo pulito rende la mente pulita” dice Yang Mi-ja, al proprio nipote.

Yang Mi-ja è una signora di sessantacinque anni che decide di passare qualche ora a un corso di poesia.
Il resto del tempo lo trascorre accudendo il nipote che si macchia di un crimine orrendo e facendo servizi in casa di un signore disabile.
Per l’atto del nipote, la signora Yang ne resta sconvolta.
Proprio quel mondo che le piacerebbe descrivere in una poesia che non riesce a scrivere – lei adora i fiori e il canto degli uccelli, le susine sugli alberi e appena cadute su un sentiero di campagna – si rivela duro e doloroso, cosparso di personaggi legati al denaro che credono capace di risolvere gli errori – e gli orrori – dei propri figli, macchiati anche loro di un crimine infausto.
Tuttavia, Mi-ja sembra non arrendersi, sempre ordinata e raffinata nel vestire abiti leggeri e fioriti, educata con il prossimo e sorpresa-sospesa dalla forza della poesia che sente dentro.
Con un gesto estremo, finirà per procurarsi i soldi necessari – l’idea bieca proviene dai genitori dei ragazzi accusati dalla polizia di stupro, al fine di raccogliere un’ingente somma di denaro per corrompere la madre della vittima e mettere a tacere la stampa – ma, resistendo d’animo, avrà la prima vera occasione di comporre una poesia.

Per Lee Chang dong, scrivendo e girando “Poetry”, la poesia è una ricerca di leggerezza d’animo, oltre che di bellezza.
Il poeta è un personaggio ordinato e predisposto per il prossimo, la poesia è leggere le cose con occhi semplici.
“La poesia è intrappolata da qualche parte dentro di noi, sempre”.
In “Poetry”, Mi-ja affronta l’inizio della sua malattia – quella più terribile per che ama la scrittura in versi, una demenza senile che annerisce la memoria – ancora con la ricerca della poesia, che sospende i dolori fisici, li sposta da una parte, di lato, ma che non può cancellare.
In un mondo dove gli uomini hanno il sorriso pronto sulle labbra ma sono crudeli un attimo dopo, un mondo dove il denaro leviga le ferite e, solo in apparenza, cancella i lividi.

“Poetry” è un film intimo, sgradevole magari in certe scene, e compensato dalla grande prova di Yoon Jeong-hee, una donna intrappolata tra il dolore del mondo – quello per il nipote – e la volontà costante di guarirlo con le parole – i corsi di poesia, i piccoli versi che si annota su un libretto.
Opera piena di colori e intenti raffinati, spesso girata con la telecamera a spalla, Lee Chang-dong sfiora appena il suo personaggio con un intento di ripresa semplice e realistico e immagini luminose, lo lascia muoversi, producendo un moto in più di vita a un personaggio già molto vivo e colto nell’animo.
Da vedere, assolutamente, almeno una volta nella vita.

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RicRub
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“La donna che canta” di Denis Villeneuve

13 Novembre, 2019

"La donna che canta" (2010)

Denis Villeneuve

“La donna che canta” inizia con Simon e Jeanne Marwan, fratello e sorella, che ricevono due buste dalle ultime volontà della madre.
Una di queste va consegnata al padre, combattente in guerra in Medio Oriente, l’altra al loro fratello di cui non sapevano dell’esistenza.
Simon rifiuta di partire, in un primo tempo, ostile e pieno di rancore per il passato tormentato e tragico della madre.
Jeanne, invece, decide di seguire le poche tracce che possiede e raggiungere il Medio Oriente.
Tra persone che sanno poco e persone che manifestano malevolenza nei suoi confronti, Jeanne comincia un viaggio all’interno del passato della madre.
Con il tempo, anche Simon si unisce alla ricerca che dalla madre si sposta al terzo figlio che si fa chiamare Nihad di Maggio.
I risultati degli sforzi dei protagonisti porteranno a un finale mozzafiato e imprevedibile.

“La donna che canta” alterna momenti di flashback dove viene descritta la tragica vita di Nawal Marwan, la ricerca mai finita del figlio che le hanno strappato alla nascita perché avuto dall’amore per un non cristiano; il suo carattere di protesta politica e di denuncia della guerra che la porteranno, dopo un gesto preciso e micidiale, a 15 anni di prigionia.
In prigione Nawal subisce violenze e torture nefaste senza mai arrendersi e piegarsi alla volontà folle degli aguzzini.
Da questo legame con la vita, che lei ha conosciuto come violenta e degradata ma ricordandone allo stesso tempo la purezza che è rappresentata dal figlio, Nawal comincia a cantare e lo fa per 15 anni di cella.
La donna che canta, la chiameranno.

Dal passato, Villeneuve ritorna al presente con la vita di Jeanne, anche lei segnata dalla ricerca delle proprie radici, quelle familiari, in una terra dove la guerra e l’ambiguità politico-religiosa non hanno mai smesso di vivere.
Jeanne entra in una spirale di dettagli che, in silenzio, ne descrivono la sua nascita, la sua vita: con più la sua storia personale si snoda con più prende luce la deriva esistenziale della madre Nawal.
Così madre e figlia, seppur molto distanti, hanno un legame parallelo.
Quello che vede la madre intorno a sé durante il pellegrinaggio di ricerca del figlio, cioè distruzione e corruzione tra auto e case incendiate, non sono che la miccia che accende il suo fuoco interiore – il canto, la forza di volontà.
La ricerca di Jeanne parte invece da fuochi spenti e fumi che salgono al cielo.
Tuttavia, il suo ardore per il sapere la verità la porterà a una scoperta che ne decreta un inizio di vita vero, come donna e come figlia.

Dunque, “La donna che canta” è un film di ricerca famigliare che allo stesso tempo diviene ricerca interiore.
La ricerca delle proprie origini squarcia il telaio di un paese corrotto e massacrato dalle bombe, dai tiratori nascosti, dai fanatici di guerra.
Con maestria, Villeneuve riporta allo spettatore immagini intense costruite sotto una luce ottima; sono immagini che alternano la voglia di guardarsi dentro – la forza di volontà per ricostruire un nido di famiglia anche se già corroso da mistero e dolore – con la tragedia del guardarsi fuori, uno spettacolo di un paese in miseria e garrotato dalle macerie.
Parlano le immagini che aiutano a manovrare una narrazione già abbastanza intricata.
“La donna che canta” canta per tutti, nessuno escluso.
Lei è al centro di tutto, Nawal è quella donna che mai ha smesso di combattere, ha sempre la voce per cantare seppur con il corpo martoriato, ha sempre lo slancio di reagire alla carnalità della violenza, lo slancio di sperare nell’abbraccio dei suoi figli.

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RicRub
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“Il cane giallo della Mongolia” di Byambasuren Davaa

9 Novembre, 2019

"Il cane giallo della Mongolia" (2005)

Byambasuren Davaa

Nelle montagne della Mongolia, il tempo appare fermo.
La vita invece prosegue, ai ritmi del lavoro da pastori, per una famiglia, padre madre e tre figlioletti.
Al ritorno da scuola, la piccola Nansal trova un cane che battezza “Macchia”.
Il padre non è convinto, non lo accetta perché cresciuto in un branco di lupo per cui sarebbe un gravissimo pericolo per il gregge.
Un giorno, Nansal si allontana dalla casa-tenda per ritrovare il cucciolo smarrito.
Incontra così una anziana signora mongola che vive da sola nella radura e che le racconta la favola “la favola del cane giallo”.
Con il finire dell’estate, la famiglia ringrazia la terra con un canto per averli accolti e si prepara a spostarsi per trascorrere altrove l’inverno.

“Il cane giallo della Mongolia” è una storia intima, dolce e innocente raccontata – a tratti – come documentario.
In realtà, il documentario lascia spazio alla fiction e viceversa.
E quello che emerge è la descrizione della vita dei pastori mongoli, tra immagini sorprendenti, profondità di campo delle distese di verde asiatiche, primi piani dei bambini che giocano o fanno colazione con latte di capra appena munto.
Byambasuren Davaa, la cineasta di Ulan Bator, prende lo spettatore per gli occhi, i colori che emergono dai vestiti agli oggetti più piccoli della tenda-casa, alle coperte dei piccoli letti, sono intensi e comunicano un profondo legame pacifico tra gli uomini e la natura, un rispetto silenzioso per la vita.
Il viola del vestito della madre, il blu scuro dei figli, il verde di quello del padre e le note di arancione degli ornamenti della casa, sono ripresi in modo perfetto.

Da ricordare la scena in cui viene smontata la tenda-casa.
Ripresa dall’alto, man mano che viene tolto il rivestimento in pelle si intravede l’intreccio di piccole travi di legno arancione a comporre una raffinatissima raggera.
I colori fanno parte attiva nella vita dei pastori mongoli, sono anime visibili.

Con un lungo piano sequenza e con profondità di campo, il finale de “Il cane giallo della Mongolia” svela un dettaglio drammatico come a infrangere l’innocenza dei pastori.
Mentre la carovana si avvia verso migliori destinazioni, dalla parte opposta vediamo avvicinarsi un’auto che pronuncia al megafono i problemi politici della società mongola, insediati sempre di più nelle città.
Annunciando uno sgretolamento della vita nomade sempre più costretta a un’urbanizzazione senza colori né sapori.

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RicRub
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“Polytechnique” di Denis Villeneuve

8 Novembre, 2019

"Polytechnique" (2009)

Denis Villeneuve

Polytechnique narra del massacro all’École Polytechnique di Montréal avvenuto il 6 dicembre 1989 , dove vengono uccise tredici studentesse da Marc Lepine.

Il perno della narrazione è Valerie, giovane studentessa con la passione per l’ingegneria meccanica.
Durante una lezione all’università, un ragazzo entra armato nell’aula.
In un primo momento, fa dividere ragazzi e ragazze per poi far uscire gli uomini.
Massacrerà a colpi di carabina le studentesse, mentre a salvarsi è solo Valerie.
Jean-Francois, amico della ragazza, prova a cercare aiuto e s’imbatte in una ragazza ferita gravemente cercandola di soccorrerla e farla sopravvivere.
La vicenda distruggerà l’animo di Jean-Francois, Valerie rifletterà per sempre sull’accaduto, sulla vita e sull’amore nel mondo.

Denis Villeneuve dirige un film potente e sconcertante.
Bellissimo e magistrale bianco e nero, che si mischia alla forte nevicata di un dicembre in Canada.
Non ripiega su sentimentalismi, quasi non denuncia la follia omicida, la riprende per vedere quale abisso possa creare.
Così per il femminismo, una piaga per l’assassino mentre Villeneuve si concentra sulla donna come essere umano.

Polytechnique si ferma a un bivio per poi percorrere entrambe le strade.

Una strada per l’occhio di una descrizione oggettiva dei fatti – Villeneuve racconta la strage servendosi di un impianto di scene di violenza necessaria.
Con una narrazione non completamente lineare, il regista accentua la tensione e la paura
– l’inizio del film è un momento cronologicamente spostato dalla linea narrativa, avverrà dopo; un flash-forward che descrive le sensazioni di Jean-Francois; un ritorno alla sparatoria e alle vicende dentro il politecnico –
E un’altra strada per uno sguardo riflessivo, quasi ermetico, sulla condizione della donna alla fine degli anni Ottanta, colpevole di essere donna – il bianco e nero aumenta l’intensità della violenza e della paura e allo stesso tempo sembra rallentare le azioni, per dare allo spettatore una chiave di chiarezza in più per capire non tanto la follia omicida quanto più una banalità del male che la donna pare rappresentare.
La riflessione passa come un filo sottile attraverso Valerie che rappresenta tutte le donne – la scena del bagno, dove lei vede la sua immagine riflessa più volte dagli specchi, lo conferma.

Dal massacro al politecnico, “Polytechnique” prende una svolta per rivedere passato, presente e futuro della condizione femminile.

Film bellissimo e crudo, con intimi primi piani su oggetti e volti, immagini silenziate dal bianco e nero e da una neve fitta che tuttavia non attutisce né i colpi d’arma da fuoco né i solchi delle cicatrici che restano.

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RicRub
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“Amour”, di Michael Haneke

6 Novembre, 2019

"Amour" (2012)

Michael Haneke

“Amour”, un’opera meravigliosa.
Michael Haneke miscela emozioni in un modo eccezionale, filmando solo una precisa parte della vita, la vecchiaia.
La vecchiaia è punto di partenza e punto d’arrivo.
Le azioni che si materializzano da questo punto costruiscono il film.

Anne e Georges sono una coppia di ottantenni, entrambi insegnanti di musica, che passano il loro tempo tra letture e musica a casa, qualche uscita per spettacoli in teatro.
Succede che Anne si ammala, colpita da un ictus.
Georges è ostinato, pur ascoltando le diagnosi dei medici.
Non vuole vedere morire la donna in un istituto per anziani disabili.
Così decide di prendersi cura direttamente di lei, tra la stanza da letto e il salone della casa, la cucina e le parole che si scambiano e i racconti della gioventù di Georges che lei ascolta incantata.
Un secondo attacco al corpo di Anne rende tutto più difficile e ostile, lei ormai stenta a parlare e l’animo di Georges è messo sempre più a rischio.

In “Amour”, Haneke riesce ad infilarsi negli anfratti più angusti dell’esistenza, ha un occhio che rende tutto fragile, sottile.
La incantevole ed eccezionale interpretazione dei due protagonisti – grandi attori con passato eterno di film eterni, sotto la regia di grandi del cinema come Dino Risi, Abel Gance, Alain Resnais, Bellocchio, Kieslowski per citarne tra i più importanti – è sottile.
La perfetta ambientazione della casa è sommersa da un silenzio fragile, si ha paura di romperlo.
I dialoghi, le finestre di legno e vetro, il pavimento in legno che scricchiola al passo maldestro di Georges, il tavolo da cucina, il letto dove Anne soffrirà.
Tutto sembra che si possa infrangere da un momento all’altro, sottile.
Ed è questo il senso sottile e precario della vecchiaia che vivono i protagonisti.

“Amour” mostra, attraverso i due protagonisti, la fragilità della vecchiaia allo stesso tempo e modo della forza e del valore di vivere che serve per affrontarla.
Descrive la linea più sottile che separa la vita dalla morte.
E c’è un velo che appare, pian piano, passo dopo passo, dolore dopo dolore, coraggio dopo coraggio, un velo di malinconico amore sprigionato dalla magistrale bravura di Trintignant e Riva.
Haneke riprende tutto, anche l’incubo peggiore di Georges, i suoi ricordi di Anne che suona Schubert.
Ciò che stupisce di questo grande regista è il fatto che egli riesca a creare film raffinati e stilisticamente elegantissimi, pur mostrando la realtà nuda e cruda.

La pochissima musica che si sente durante il film – perché in “Amour” c’è un silenzio di fondo, diffuso, che sembra venire proprio dalle stanze della casa – è un mezzo per ritornare alla bellezza della gioventù della vita – la scena, straordinaria, di Georges che ascolta Anne suonare per poi spegnere lo stereo e far scoprire allo spettatore che è tutto un’immaginazione del passato –
Con il gesto estremo di Georges, nel finale, dettato da una lucida disperazione con cui ha affrontato il tratto di vita vicino alla morte della moglie, Haneke riprende un iter psicologico che lo spettatore, in un qualche modo, conosceva già.
Come il finale del film, che il regista mostra all’inizio, come a dire “qui si gioca a carte scoperte”.

Dopo i bellissimi “La pianista”, “Il nastro bianco”, “Niente da nascondere”, con “Amour” Micheal Haneke gira un film assoluto, sublimando verso il capolavoro.
Tutto è perfetto, visivamente elevatissimo – le luci grigie dell’appartamento al buio e le lampade calde per la lettura, le inquadrature quasi sempre ferme – , i tempi del film che sembrano immobili e che trascorrono esattamente in linea con la vita di Anne e Georges.
Un film che fa amare il cinema.

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RicRub
Brevi esposizioni a tema, brevi recensioni - cinema

“Una donna distrusse”, di Stuart Heisler

3 Novembre, 2019

Una donna distrusse (1947)

Stuart Heisler

L’articolo fa parte di una Breve esposizione a tema “Alcolismo – Tre film a tema nel cinema classico”

“Una donna distrusse” è la storia di Angelica Angie Evans, cantante di successo che sposa e ha una figlia con Ken Conway, anche lui artista e cantante.
Per dedicarsi alla famiglia, Angie abbandona i palcoscenici mentre il successo di Ken nella musica è sempre più grande e lo porta a viaggiare nelle città degli Stati Uniti.
Angelica comincia a soffrire della solitudine e, quando prima era solo un bicchiere ogni tanto, sprofonda in un incubo sempre peggiore legato alla bottiglia.
Ken è troppo occupato per rendersi conto della malattia della moglie.
Ormai alcolizzata cronica, Angie arriva a chiedere il divorzio e, vista la situazione di panico, Ken chiede l’affidamento della figlia.
Angelica tocca con mano propria il fondo, addormentandosi per strada, rovinando le feste per gelosia nei confronti di una collaboratrice del marito, dimenticandosi delle proprie azioni e mettendo a rischio la sua vita e quella degli altri.

“Una donna distrusse”, altra rappresentazione, nel cinema della Hollywood classica, del tema dell’alcolismo – fra tutti, “Giorni perduti” e “I giorni del vino e delle rose”
Heisler ha degli ottimi intenti e una buona padronanza dei tempi, gioca su una narrazione che comincia come una commedia sentimentale arrivando al dramma famigliare.
In un bianco e nero dove la protagonista ha spesso un’alternanza di “zone d’ombra” e luce, soprattutto per quanto riguarda la ripresa del volto, “La donna distrusse” tocca i tempi principali che possono portare all’alcolismo.
Il senso di inferiorità e la difficoltà di stare in mezzo alle persone – Angie dovrà bere per superare questi ostacoli – , la lotta contro la solitudine che in questo caso nasce dal cambiamento di vita della donna, da protagonista della musica leggera a madre e moglie, il senso di una vita vuota nonostante ci siano tutti gli elementi per affermare e sentire il contrario.
Anche le conseguenze dirette dell’alcol sono ben delineate, il mettere a repentaglio la propria vita e insieme quella di chi ti sta di fianco, le continue amnesie, soprattutto “i fantasmi” della propria mente
– “Sono bravissima a crearmi dei fantasmi” dice Angie durante una festa” –

Bellissima la scena in cui Angela consola la figlia malata di polmonite e sposta i giocattoli dalla culla, tra cui uno che riflette la sua ombra simile a una bottiglia che dondola, sul muro.
Nel finale, altra bella scena dove Angie “rivede” la sua vita a ritroso fino al primo incontro con Ken, che Heisler realizza con la sovrapposizione di immagini.
“Una donna distrusse” ha un finale piuttosto consolatorio – Ken si accorge di aver sbagliato, di aver sottovalutato la dipendenza da alcol della moglie e si ricongiunge a alla moglie – , dove Angela, di spalle alla telecamera, decide di ricominciare da capo, riprendendo la carriera da cantante per smettere di bere.
Tra i dialoghi ben fatti, spicca la “rivelazione” che la donna fa a un uomo durante un party
“Versarsi da bere è un gesto che dà calore e amicizia. Un gesto creativo” .

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